École de théâtre l’Éponyme Paris
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Philosophie:
Une formation efficace dans le respect et le bien être des élèves.
Une école de théâtre est avant tout un lieu de plaisir. L’Éponyme développe sa pédagogie au service de ce plaisir, et s’assure que chaque atelier soit à la fois passionnant, ludique et exigeant.
Les enseignants donnent aux élèves des objectifs très concrets pour qu’ils puissent prendre conscience de leurs progrès. Ils accompagnent les étudiants dans leur apprentissage, et fournissent toujours des méthodes pour résoudre les problèmes rencontrés. Aussi, les critiques des professeurs ne viennent jamais sans solutions.
Les enseignants sont respectueux des élèves. Ils prennent soin de ne jamais heurter ni malmener un étudiant au cours de sa formation. Ils peuvent faire preuve de fermeté pour relancer la progression d’un élève mais toujours dans le respect de sa personne.
Certaines disciplines sont enseignées par plusieurs intervenants, hommes et femmes, pour que les élèves bénéficient d’éclairages différents. Les formateurs comparent régulièrement leurs ateliers pour mettre en rapport leurs enseignements.
L’école apprend également aux élèves à travailler par eux-mêmes. L’atelier Training – Méthodes de travail est dédié à ce but et permet aux étudiants de rendre efficace leur temps passé à apprendre un texte, à s’échauffer, ou à répéter en groupe.
Chaque trimestre, les élèves sont amenés à présenter des travaux personnels en audition. Ils peuvent alors librement choisir et mettre en scène un texte, un chant, une danse ou une composition personnelle. Cet exercice, préparé seul ou par groupe d’affinités, leur permet de gagner en assurance et développe leur créativité.
Les Professeurs
Madeleine Mainier – Art dramatique, auteurs classiques et contemporains
« Je conçois la pédagogie comme une forme d’échange, dans lequel l’enseignant continue à enrichir sa vision du théâtre au contact des élèves et trouve dans cet échange un lieu de ressources : Etre à l’écoute de la singularité de l’élève, du potentiel de créativité que son jeune rapport à la scène peut contenir. Transmettre à l’élève le goût d’explorer, de repousser les limites de son imaginaire, d’aiguiser son sens de l’observation, créer des liens, devenir conscient des outils dont ils dispose et dont il peut jouer, comme l’enfant qu’il a été cherchait par le jeu à apprivoiser son rapport au monde. »
Hélène Poitevin – Art dramatique, auteurs contemporains, mise en scène
« Je cherche à délivrer un enseignement à la fois personnalisé et collectif : connaissance de soi, des comportements réflexes au plateau, trucs, fuites… prise de conscience et développement de la présence, de la sensation d’être et de vivre au présent, puis intégration de l’extérieur : espace, partenaires…. Le but est de conduire les élèves à une autonomie, non à un savoir faire. »
Françoise Roche – Art dramatique, diction, préparation des concours nationaux
« Enseigner, c’est pour moi être dans l’écoute naïve de l’instant. »
Hector Cabello Reyes – Art dramatique, caméra
« Depuis toujours, même enfant, j’ai été fasciné par le monde des ateliers de peintres de la Renaissance, où un savoir-faire se transmettait de génération en génération, à travers des techniques, un esprit d’artisan et même d’ouvrier. J’aime penser au métier d’artiste comme à un lien ininterrompu d’outils passés de main en main, polis par le temps, qui permettront peut-être, plus tard, aux apprentis à faire quelque chose qu’on oublie souvent : Tout simplement vivre un jour de ce métier patiemment appris, et faire vivre les siens. »
Jérôme Cachon – Art dramatique, auteurs classiques et contemporains
Forme t-on un acteur ou le délivre t-on ? Je conçois la classe d’art dramatique comme un espace d’exploration de la notion de jeu qui est au coeur de notre pratique : Les exercices collectifs et individuels vont de pair avec le travail de scènes, les écritures nous guidant sur les territoires de l’imaginaire. L’exigence et la rigueur sont au service de la créativité, et au delà d’un savoir-faire, je souhaite transmettre un savoir-être.
François Tardi – Art dramatique, caméra, histoire du théâtre
« Le théâtre multiplie et amplifie en nous la vie. Enseigner c’est donc, pour moi, transmettre des techniques et ouvrir le champ des possibles, donner des moyens différents à chacun mais utilisables par tous, pour développer cette interprétation de la réalité. » Jouer » avec exigence et contraintes pour trouver son propre espace de liberté. Enseigner est aussi un acte créateur qui remet en cause les certitudes et non les convictions. Un espace où l’on reçoit autant que l’on donne, c’est sans doute pour cela que je pratique mon métier avec un tel bonheur depuis vingt ans dans ces ruches que sont les bons cours où l’on transforme le miel du visible en invisible. »
Elysée Daniel – Chant, technique vocale
« Je suis tout simplement une passionnée de la voix, des voix, qu’elles s’expriment par le biais du chant ou du théâtre. Dans mon travail, je fais toujours le lien entre le jeu d’acteur et la ligne de chant, la mélodie, qui me semblent indissociables et très complémentaires. J’inclue également un travail de diction, de présence sur scène, de maitrise du trac et de la gestuelle. »
Marie Blanc – Chant, technique vocale
« L’approche pédagogique a commencé très tôt dans mon apprentissage du chant. J’ai découvert très vite que la voix se construisait dans la souplesse et le naturel. La voix parlée contient d’énormes acquis sur lesquels nous construisons une voix projetée ou chantée. En effet, il ne s’agit pas de fabriquer ou de transformer une voix, mais simplement d’en révéler les richesses de timbre, de tessiture, d’amplitude… »
Michaela Meschke – Danse contemporaine, danse-théâtre
« Le but premier de mon enseignement est de stimuler la créativité de chacun, de permettre à l’élève de prendre confiance en lui et de découvrir les possibilités expressives de son corps. L’apprentissage passe par des exercices techniques pour aller vers la capacité d’improviser et de structurer soi-même sa danse. »
Philippe Ménard – Danse contemporaine, arts martiaux
« Je propose de préparer le corps à s’exprimer en le rendant plus disponible, en affinant l’écoute intuitive de chacun, à travers des expériences seul ou en groupe qui naissent de l’Aïkitaïso, pratique interne de l’Aïkido et des fondamentaux de la danse contemporaine. L’objectif est d’expérimenter à travers des techniques corporelles variées une vaste gamme de sensations pour optimiser ses propres capacités créatives. »
Camille Anglade – Danse contemporaine, danse-théâtre
« La danse et le théâtre sont étroitement liés dans la façon même de travailler : improvisation, construction de l’espace, du rythme et de la mise en état. Ma pédagogie s’inspire d’une approche kinesthésique du mouvement : travailler sur une prise de conscience de son corps et de ses capacités, son organisation interne et spatiale. Mon but est de toucher le plus large public possible. »
Jeffrey M. Bracco – Acting in english
« Well-versed in the American Method techniques of acting, as well as the Stanislavski System, I make full use of such concepts as actions, objectives, obstacles, subtitution, emotional and sense memory in my teaching. »
Ruth Karina Uscalovsky – Training, improvisation
« La pédagogie théâtrale telle que je la conçois et que je la pratique accorde une place centrale à la passion et au plaisir ludique, déclencheur du désir de créer. Un enseignant qui permet au jeune comédien de s’approprier le langage théâtral, ainsi que de se doter des outils pour travailler de façon autonome, se positionne dans une attitude de respect et de confiance dans la capacité de créer de ses élèves. »
Fonctionnement:
Des auditions mensuelles et un suivi individuel
Le suivi pédagogique des élèves s’adapte à leur niveau. Des objectifs de progression différents sont établis en fonction des facilités et des lacunes personnelles.
Une classe compte 24 élèves en moyenne en 1ère et 2ème année, 14 élèves en 3ème année. Au fil des ateliers, tous les étudiants passent sur scène un nombre égal de fois, ce qui garantit la régularité du travail de chacun et évite les inégalités.
En 1ère et 2ème année, la progression de tous les élèves est mesurée par une audition mensuelle, soit 9 auditions par an, incluant le spectacle de fin de saison. L’ordre et le nombre des auditions peut être aménagé en fonction du calendrier scolaire.
– La 1ère audition de chaque trimestre est dédiée à la présentation de travaux personnels librement imaginés et réalisés par les élèves : scènes, chants, danses ou compositions.
– La 2ème audition de chaque trimestre est dédiée à la présentation des travaux réalisés en cours : scènes imposées, danses ou chants répétés avec les professeurs.
– La 3ème audition de chaque trimestre est publique; elle donne l’occasion d’inviter des professionnels du théâtre et du casting à mesurer la qualité des travaux les plus aboutis.
A la fin de l’année, les élèves qui ont répondu aux exigences de progression et d’assiduité de l’école sont admis dans l’année suivante. A la fin du cycle de formation, l’Éponyme délivre un Certificat de Formation d’Acteur aux élèves dont les qualités de jeu atteignent un niveau professionnel.
Les étudiants qui le souhaitent peuvent demander des cours particuliers à certains professeurs pour accélérer leur formation. Ces cours ne sont pas compris dans le tarif trimestriel.
Pour garantir la bonne qualité des cours, les élèves et les professeurs forment une équipe dans laquelle l’enrichissement est réciproque : Les professeurs conseillent et accompagnent les élèves dans leur progression tandis que les élèves donnent aux professeurs un retour sur les apports de leur pédagogie.
Ce principe de base incite les enseignants à être à l’écoute de leur groupe et les motive à se perfectionner régulièrement. En outre, la satisfaction des élèves est régulièrement mesurée et ils peuvent demander à prolonger les ateliers les plus appréciés.
L’Éponyme est une école ouverte à toute évolution afin de pouvoir renouveler et parfaire continuellement sa qualité d’enseignement. Toutes les critiques constructives sont encouragées pour permettre à chaque élève de travailler avec beaucoup de plaisir et dans une bonne ambiance.
Tarifs de la saison 2008-2009
1ère année :
Frais d’inscriptions :75 euros/an
Tarif mensuel :300 euros/mois
2ème année :
Frais d’inscriptions :75 euros/an
Tarif mensuel : 275 euros/mois
3ème année :
Frais d’inscriptions : 75 euros/an
Tarif mensuel : 250 euros/mois
